I Congreso Internacional cartografía crítica del arte y la visualidad en la era de lo global

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Contenido

Concept/Concepto

The First International Conference Critical Cartography of Art and Visuality in the Global Age aims to engage with the complexities of the new status of art and visuality in contemporary art practice in the context of “globalization”. Focusing on the paradigms of identity, alterity, memory, locality and interculturality, as well as on new ways of understanding the political, ecological, technological, economical and scientific dimensions of the current age, the conference seeks to locate the “topos” from which each of these paradigms forges links between theoretical concepts and innovative work methodologies, as well as analyze the currency of a New Art History in dialogue with Visual Culture Studies.

El I Congreso Internacional Cartografía crítica del arte y la visualidad en la era de lo global se propone abordar la complejidad del nuevo estatus del arte y la visualidad en el marco de la “globalización”. Lo hace a partir de las prácticas artísticas contemporáneas que se centran en nuevos paradigmas de identidad, alteralidad, memoria, localidad e interculturalidad, pero también en una nueva manera de entender lo político, lo ecológico, lo tecnológico, lo económico y lo científico. En el marco de estas nuevas cartografías de lo global se fijarán “topos” (lugares) donde cada uno de estos “paradigmas” buscará sus alianzas con diferentes conceptos teóricos y con el conjunto de innovadoras metodologías de trabajo pensadas para analizar la actualidad de la Nueva Historia del Arte en sus relaciones con los Estudios Visuales Culturales.


Aims/Objetivos

To situate the debate in the context of a cultural and identity-based history as a way of expanding the territory of art into the field of culture.

Enmarcar la propuesta en una historia cultural e identitaria como una manera de expandir el territorio del arte hacia el campo de la cultura.

To carry out field research in order to survey and discuss the artisticpractice of diverse cultural producers relevant to the new global cartography.

Realizar un trabajo de campo que recoja las prácticas artísticas de distintos creadores de la nueva cartografía global. 

To define some of the parameters that shape contemporary theoretical-artistic discourse.

Identificar algunos de los parámetros que definen el discurso teórico –artístico contemporáneo.

To develop a new model of interdisciplinary discourse that can bring together art historians, film theorists, cultural geographers, anthropologists, sociologists, philosophers and other collectives that center their research interests on global art.

Trabajar en el diseño de un nuevo modelo de discurso interdisciplinar que, desde el punto de vista metodológico, una a historiadores del arte, teóricos del film, geógrafos culturales, antropólogos, sociólogos, filósofos y demás colectivos académicos que centren su interés en el arte global.


Participants/Participantes

Anna Maria Guasch Anna María Guasch (1953) es Catedrática de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de Barcelona, habiendo ejercido también la docencia en las Universidades de Sevilla y Complutense de Madrid. En la actualidad sus líneas principales de investigación son: Archivo, Memoria y Arte Contemporáneo; Historia del Arte y Estudios Visuales, y Arte Contemporáneo y globalización. La primera de las líneas ha sido expuesta y desarrolla, entre otras publicaciones, en “Los lugares de la memoria: el arte de archivar y recordar”, Materia. Revista del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona, 5, 2005), Autobiografías visuales: entre el archivo y el índice (Siruela, Madrid, 2009), y Arte y archivo. Genealogías, tipologías y discontinuidades ( Madrid, Akal/Arte Contemporáneo, 2011), y en contribuciones presentadas en congresos de relevancia científica tales como el 20 Encontro ANPAP (Rio de Janeiro, 2011) el que presentó la ponencia marco Las prácticas contemporáneas del archivo: entre lo doméstico y lo público, la memoria y la historia, lo global y lo local. Dentro del área temática de la segunda línea de investigación destaca el capítulo “Doce Reglas para una Nueva Academia: la “Nueva Historia del Arte” y los Estudios Visuales”, en Estudios Visuales. La Epistemología de la Visualidad en la Era de la Globalización (José Luis Brea, ed., Madrid, Akal, 2005) y la contribución al Stone Summer Theory Institute (James Elkins [dir.] Chicago, 2011) Farewell to Visual Studies. Ver más

Nasheli Jiménez del Val (Universitat de Barcelona) México, D.F., 1978. En 2002 recibió el grado de Licenciada en Comunicación Gráfica por parte de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM, México) con una tesis sobre la gráfica estudiantil del ‘68 mexicano. Obtuvo una Maestría en Estudios Políticos y Sociales con una tesis sobre el desvío de logotipos corporativos en la propaganda anti-guerra de Irak; se le otorgó el grado de Maestra por parte de la Facultad de Estudios Políticos y Sociales (FCPyS-UNAM, México) en el 2005. Recibió su grado de Doctora en Estudios Culturales de la Escuela de Estudios Periodísticos, de Medios y Culturales de la Universidad de Cardiff (JOMEC-Cardiff University, Reino Unido) en el 2010. Su tesis doctoral se enfoca en el papel que jugaron las imágenes impresas de canibalismo en la construcción de discursos europeos sobre la otredad americana durante los periodos históricos de la conquista y la colonia (1494 – ca. 1750). Ver más

Carles Guerra (Universitat Pompeu i Fabra; MACBA) Carles Guerra es comisario de exposiciones y crítico de arte establecido en Barcelona, cuya obra investiga los aspectos dialógicos de la cultura visual. Es profesor de Arte Contemporáneo en la Universitat Pompeu Fabra, ha comisariado exposiciones como Art & Language in Practice (1999), Después de la noticia. Documentales postmedia (2003), Cine de situación. Joaquín Jordá (2006), Zona B: En los márgenes de Europa (2007), Esto no es una exposición (2008) y es autor de N de Negri (2000). Forma parte del consejo asesor del suplemento Cultura/s publicado por La Vanguardia y miembro del consejo de redacción del boletín Desacuerdos. Fue nombrado Director de la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2004 y actualmente es vocal del Consejo de Administración del Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona ICUB.

Juan Vicente Aliaga (Universitat Politècnica de València) University Readers en Teoría del Arte Moderno y Contemporáneo. Juan Vicente Aliaga está adscrito a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Politécnica de Valencia. Su trabajo de investigación se centra en torno al género feminista y los estudios queer, con especial atención a las representaciones culturales, artísticas y políticas de la diversidad sexual. Su enseñanza también se ha centrado en el papel fundamental que desempeña la micropolítica y la contribución de los estudios interculturales y poscoloniales. Actualmente está explorando tres temas principales de investigación: genealogías feministas en el arte español a partir de la década de 1960, la presencia visual y cultural y la agencia de la diversidad sexual en el mundo árabe y la revisión crítica del arte moderno desde una perspectiva de género. Ver más

Joaquín Barriendos (Columbia University, New York) 1973, Mexico City. Joaquin Barriendos da clases en la Universidad de Columbia (Departamento de América Latina y Culturas Ibéricas) y es profesor visitante en la University of Barcelona (Departamento de Historia del Arte). En 2010 fue becario-investigador en el Institute National d’Histoire de l’Art-París (Art et Mondialisation) y en 2009 investigador visitante en el Programa de Estudios Museográficos (New York University). Es Editor en Jefe de la Revista de Estudios Globales y Arte Contemporáneo. Actualmente lleva a cabo un proyecto de investigación titulado La Emergencia del Arte Global: Hacia una Lectura Geopolítica del Sistema Internacional del Arte Contemporáneo. Ver más

Oliver Grau (Donau Universität Krems) Oliver Grau es un historiador del arte y teórico de los medios alemán especializado en la ciencia de la imagen, la modernidad y el arte mediático (media art), así como en la cultura del siglo XIX y en el Renacimiento italiano. Grau es profesor universitario de “Ciencia de la imagen” y director del Departamento de Ciencia de la Imagen en la Universidad Danubio de la ciudad de Krems, Austria. Al finalizar sus estudios en Hamburgo, Siena y Berlín y después de realizar su tesis doctoral, Grau fue profesor en la Universidad Humboldt de Berlín, fue invitado por diferentes laboratorios de investigación en Japón y EE.UU. y tras su habilitación (cualificación posdoctoral) en 2003, trabajó como profesor en diferentes universidades internacionales. Ha sido asesor para revistas internacionales especializadas y para diversas asociaciones. Grau ha dirigido varios congresos y fue director fundador de “Refresh! Primer congreso internacional de historia del arte mediático, ciencia y tecnología”, Banff, 2005 (Berlín 2007, Melbourne 2009).

Jonathan Harris (University of Southampton)

Jonathan Harris, PhD, is Professor in Global Art & Design Studies and Director of Research at WSA. He is one of the inaugural professors in the Winchester Centre for Global Futures in Art Design and Media. He is author and editor of sixteen books and over a hundred journal essays. His books include Art in Modern Culture (Phaidon, 1992), Modernism in Dispute: Art Since the Forties (Yale University Press, 1993), Federal Art and National Culture: The Politics of Identity in New Deal Art (Cambridge University Press, 1995), The New Art History: A Critical Introduction (Routledge, 2001), Writing Back to Modern Art: After Greenberg, Fried, and Clark (Routledge, 2005), Art History: The Key Concepts (Routledge, 2006), Identity Theft: The Cultural Colonization of Contemporary Art (Tate Liverpool/Liverpool University Press 2008), Inside the Death-Drive: Excess and Apocalypse in the World of the Chapman Brothers (Tate Liverpool/Liverpool University Press, 2010: sole editor), Regenerating Culture and Society: Architecture, Art and Urban Style within the Global Politics of City Branding (Tate Liverpool/Liverpool University Press, 2011: co-editor) and, most recently, Globalization and Contemporary Art (Wiley Blackwell USA, 2011).

Angela Dimitrakaki (University of Edinburgh)

Angela Dimitrakaki joined the Department as Lecturer in Modern/Contemporary Art in September 2007. She holds a BA in Archaeology and Art History from the University of Athens (1991), an MA in Gallery Studies from the University of Essex (1992) and a PhD in Art History from the University of Reading (2000). She was Lecturer in Contemporary Art at the University of Southampton from 2001 to 2006. From December 2003 to February 2004 Angela held a Visiting Research Fellowship at the Center for Hellenic Studies, Princeton University, and she also received an AHRB Small Grant to carry out a pilot research project (2003-4) entitled ‘From Time to Space: Women' Film and Video, Feminism and Geographies of Difference in Europe'. Angela has contributed to many conferences, symposia and research workshops in Europe and the US. In 2010 she co-organised with Kirsten Lloyd the conference Radical Complicities: Curating and Art in the 21st Century held in Edinburgh. She is a member of the Leverhulme International Network Transnational Perspectives on Women’s Art, Feminism and Curating. Participating institutions: University of Brighton, University of Edinburgh, Concordia University, Estonian Academy of Art, The Smithsonian Institute, University of Stockholm, Tate Modern. Led by Dr Lara Perry, University of Edinburgh. She is Corresponding Editor of the interdisciplinary journal HM: Research in Critical Marxist Theory.

T.J. Demos (University College London)

T.J. Demos writes widely on modern and contemporary art and his essays have appeared in journals including Grey Room and October. He is also a critic, writing for magazines such as Artforum, Texte zur Kunst, and Art Press. His published work centers broadly on the conjunction of art and politics, examining the ability of artistic practice to invent innovative and experimental strategies that challenge dominant conventions, whether representational, aesthetic, or social and political. His books include: The Exiles of Marcel Duchamp (MIT Press, 2007), which places Duchamp’s installations and mixed-media projects - including his “portable museum,” La Boîte-en-valise - in relation to geopolitical and aesthetic displacement during the early twentieth century’s periods of world war and nationalism; and Dara Birnbaum: Technology/Transformation: Wonder Woman (MIT Press/Afterall Books, 2010), which examines Birnbaum's art practice in relation to postmodernist appropriation, media analysis, and feminist politics, and explores the artist's pioneering attempts to open up the transformative capacities of video as a medium.

Almira Ousmanova (European Humanities University-Vilnius)

Almira Ousmanova (Ph.D. in Social Philosophy) is Professor at the Dept. of Media and the Director of MA programme in Cultural Studies at the European Humanities University (Vilnius, Lithuania). She has published several books and articles on semiotics, Gender Studies and Film Studies, including Umberto Eco: paradoxes of interpretation (2000); Gender Histories from Eastern Europe (co-edited with Elena Gapova and Andrea Peto), Bi- Textuality and Cinema (ed., 2003); Gender and Transgression in Visual Arts (ed., 2007), Visual (as) Violence (ed., 2008), Belarusian Format: Invisible Reality (ed., 2008.), Feminism and Philosophy (ed., special volume of journal Topos, 2010) et al. Research interests: theory, genealogy and methodology of Visual Studies, Gender Representations in Visual Arts, Soviet cinema, art and politics.

Celeste Ianniciello (University of Naples “L'Orientale”) Celeste Ianniciello holds a PhD in «Cultural and postcolonial studies of the Anglophone world» from the University of Naples «L'Orientale». Commencing from the relation between I/eye and place in female migrant subjectivities, her research analyzes the visual (auto)biography of female artists from Middle-Eastern and Mediterranean countries as a contrapuntal example set against the epistemology of geographical, cultural and sexual borders. She is appointed researcher in the European MeLa project, which is focused on the rethinking of the museums in the age of migrations.

El Colectivo (Programa de Estudios Independientes del Museu D'Art Contemporani de Barcelona, PEI-MACBA) El Colectivo es un grupo multidisciplinario compuesto por 11 personas: Baris Calgar, Anyely Cisneros, Ana Emilia Felker, Sofía Lemos, Claudia Lozano, Carolin Maxime Ackermann, Dani Medina, Mauricio Patrón, Aimar Pérez, Paloma Ruiz, Andrea Silva. Todas integrantes del Programa de Estudios Independientes del Museu D'Art Contemporani de Barcelona. Procedentes de Catalunya, La Rioja, Turquía, México, Alemania, Bolivia, Venezuela y Portugal.

Elpida Karaba (Freelance Curator, Greece) Dr Elpida Karaba is an art theorist and independent curator. She has been teaching art theory and art history since 1999. She has curated various exhibitions and independent art projects. Since 2012 she is the curator of the series ArchiveRights in ÉÓÅÔ (ISET) (Institute of Contemporary Greek Art). Her book, ArchivePublic: Performing Archives in Public Art. Topical Interventions (co-edited with P. Kouros) was published in 2012. In 2007 she was the co-author (as a member of the 'Reading Group') of the book ÁóêÞóåéò Éäéïññõèìßáò [Exercises of Idiosyncrasy]. Her book 9+1 Á-ðñáãìáôïðïßçôá ðñüôæåêô. ÆçôÞìáôá ÅðéìÝëåéáò [9+1 Un- realised Projects. Issues on curating], a collective work of which she was the editor, was published in 2005. From 2005 until 2007 she worked as a researcher for the Athens School of Fine Arts in the interdisciplinary research Ìéá ÄéáôïìåáêÞ ÌåëÝôç- Ãõíáßêåò ÊáëëéôÝ÷íéäåò, Áðüöïéôåò ôçò ÁÓÊÔ, 1980-2005 [An Interdisciplinary Survey. Women Artists Graduates of ASFA, 1980-2005]. In 2009 she was co-editor in chief of the annual review Techne & Kritiki. The issue was dedicated to art theory and its methods. In 2012 she is again the co-editor of Techne & Kritiki dedicated to art and its institutions ('Institutional Critique. Institutions in Crisis. Critical Institutions'). Her research interests and publication record focus on art theory and criticism, political theory and discourse analysis, on documentary, activist and performative art practices. She lives and works in Athens, Greece.

Pau Alsina (Universitat Oberta de Catalunya) El Dr. Pau Alsina es profesor e investigador de los Estudios de Artes y Humanidades de la Universitat Oberta de Catalunya donde imparte docencia y coordina asignaturas del área de Historia del Arte y de Historia del Pensamiento. Es director académico del Posgrado en Arte y Cultura Digital UOC-LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial. Profesor del Master Universitario de Comisariado de Arte y Nuevos Medios de la Escuela Superior de Diseño (URL). Director de la revista académica #Artnodes.

Vanina Hofman Vanina Hofman (Buenos Aires, 1978) Co-fundadora y actual directora de Taxonomedia, espacio que surge en el 2007 con el fin de gestionar proyectos y investigar perspectivas alternativas en torno al desafío de la preservación de las artes en su convergencia con la ciencia y la tecnología. Fue profesora de Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad de Buenos Aires (2003-2006) y la Escuela Superior de Diseño ESDI (2007-2009). Desde el 2010 es investigadora del Programa sobre la Sociedad de la Información y el Conocimiento en el Internet Interdisciplinary Institute (IN3) en donde realiza su Doctorado sobre los procesos de construcción de la memoria de las Media Arts.

Bureau d’études (France) Le groupe conceptuel Bureau d'études développe un travail collectif croisant art, théorie et recherche. Ce travail se traduit notamment par la réalisation de cartographies sur les complexes de pouvoirs, montrant les liens entre Etats, groupes financiers, think tanks, compagnies, ... Ces cartographies sont diffusées dans des contextes artistiques, militants, universitaires. Conscient des limites d'une approche critique, ils travaillent depuis 2009 à la mise en place d'un "lieu d'expérimentation sociale" en milieu rural. Dernières expositions : Bonds, guilt, debts and other liabilities, Haus der Kulturen der Welt, 6-8 decembre 2012; Bild – Gegenbild, Haus der Kunst, Munich, 10.06 – 16.09 2012. http://bureaudetudes.org

José Miguel García Cortés (Universitat Politècnica de València) José Miguel García Cortés es Doctor en Filosofía y profesor de Teoría del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Ha sido Director del Espai d ́art Contemporani de Castelló (E.A.C.C.) desde 1998 al 2003. Ha escrito diversos libros como: Otras ciudades posibles, 2012; La Ciudad Cautiva. Control y vigilancia en el espacio urbano, 2010; Espacios Diferenciales. Experiencias Urbanas entre el Arte y la Arquitectura, 2008; Gilbert & George. Escenarios Urbanos, 2007; Políticas del espacio. Arquitectura, Género y Control Social, 2006; Hombres de Mármol. Códigos de representación y estrategias de poder de la masculinidad, 2004; Orden y Caos. Una historia cultural sobre lo monstruoso en el Arte (finalista Premio Anagrama de Ensayo), 1997.

Julia Ramírez Blanco (Universidad Complutense de Madrid, UCM) Julia Ramírez Blanco is an art historian and critic based in Madrid, currently writing her PhD on contemporary art and utopia. She has taught at Tufts University and Skidmore College in Madrid and published several texts including the prologue for the Spanish edition of Hans Prinzhorn ́s Artistry of the Mentally Ill (2012) and a Spanish translation of Erwin Panofsky ́s Gothic Architecture and Scholasticism (2007). She is especially interested in the intersection of art and politics, and she has collaborated with a variety of magazines as well as the newspaper El Mundo and The Nation Journal.

Laura F. Gibellini (School of Visual Arts, SVA-New York City) Laura F. Gibellini es premio extraordinario de doctorado [Sección Departamental de Historia del Arte III (Contemporáneo), 2010] por la Universidad Complutense de Madrid, artista plástico y profesora de teoría crítica en la School of Visual Arts de Nueva York. Entre sus publicaciones destacan “Bitte Liebt Österreich. Christoph Schlingensief y la Inmunidad del Espectador”, Quintana, No 11, Departamento de Historia da Arte, Universidad de Santiago de Compostela, 2012; Construyendo un Lugar/ Constructing a Place, Colección Palabras de Imágenes, Sección Departamental de Historia del Arte III (Contemporáneo), UCM, Madrid, 2011; “A Place, Constructed”, The Journal for Artistic Research, Issue 1, 2011.

Sergio Villena Fiengo (Universidad de Costa Rica) Sergio Villena Fiengo: Doctor en Estudios de la Sociedad y la Cultura, Universidad de Costa Rica, 2004. Maestría en Ciencias Sociales, Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (FLACSO), México D.F., 1992. Licenciatura en Economía, Universidad Mayor de San Simón, Cochabamba-Bolivia, 1989. Profesor asociado en la Escuela de Sociología, Universidad de Costa Rica (2004- ). Docente regular de los siguientes cursos: Arte y sociedad en América Latina: aproximaciones a lo contemporáneo en las artes visuales, Doctorado en Estudios de la Sociedad y la Cultura, Universidad de Costa Rica; Cultura y sociedad en América Latina, Maestría en Sociología, Universidad de Costa Rica; Sociología de la cultura, Escuela de Sociología, Universidad de Costa Rica.

August Davis (Winchester School of Art, University of Southampton) Dr August Jordan Davis is Senior Research Fellow at Winchester School of Art, University of Southampton and Fellow of Winchester Centre for Global Futures in Art Design & I Media. Her doctoral research was undertaken with Professor Jonathan Harris at University of Liverpool. She co-organised the Art, Criticism & Forces of Globalisation conference with Prof. Anna Maria Guasch as a convenor. August convened the CAA 2013 session

Conferences/Conferencias

WELCOME AND INTRODUCTION / BIENVENIDA Y PRESENTACIÓN: Anna Maria Guasch (Universitat de Barcelona)


Panel 1. MEDIA ART DOCUMENTATION. NEW TOOLS FOR THE HUMANITIES / Mesa 1. DOCUMENTACIÓN DEL ARTE DE LOS MEDIOS. NUEVAS HERRAMIENTAS PARA LAS HUMANIDADES

Convenor/Moderador: Carles Guerra (Universitat Pompeu i Fabra; MACBA)

Keynote/Conferencia Magistral: Oliver Grau (Donau Universität Krems)

EN CONSTRUCCIÓN!


Projects:

Charlote Davies: Osmose

Phantasmagoria Etienne Gaspad Robertson. Digital project

Anamorphosis

Victoria... Utophía bodies

Obosive World processes

Face to facebook

360 fresco pompei

"The technology of the modern media has produced new possibilities of interaction. … What is needed is a wider view encompassing the coming rewards in the context of the treasures left us by the past experiences, possessions, and insights." Rudolf Arnheim, Summer 2000

From mnemosyne atlas to virtual museum

Center for Image Science.Visual Competencies for the Digital Age

Database of virtual art

Bibliography:

Virtual Art: From Illusion to Immersion (MIT Press/Leonardo Books, 2003) Mediale Emotionen (Fischer, 2005) MediaArtHistories (MIT Press/Leonardo Books, 2007). Imagery in the 21st Century. Cambridge, MA: MIT-Press 2011.


1. Multiple Screens of Soviet Modernity: At the Threshold of the Digital World. Almira Ousmanova (European Humanities University-Vilnius)
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The history of visual culture of the 20th century is a difficult subject to deal with. It is almost impossible to imagine the linear narrative of the history of audiovisual media, as the “culture of quick change” cultivates a very specific form of historical amnesia towards even most recent inventions. Some projects have been consigned to oblivion due to the swift advancement of the technologies of the re/production of the images, others – due to the specific cultural, socioeconomic and political circumstances, and when it comes to the experimental artistic works, that remained non-assembled, unedited and unseen, the question of the “unclaimed heritage” steps to the forefront of scholarly discussions. This is, certainly, the case of the “Rehearsal” - the astounding video, realized by Soviet designers Yuri Reshetnikov and Yuri Sobolev in 1975, which was never shown to the public, at least in its originally intended polyscreen format (being commissioned for the IX ICSID Congress in Moscow). This “unattainable text” deserves our attention (or, “reference-reverence' attitude, as George Didi-Huberman would have said) not only because it might have become a significant point of reference in the history of global screen culture, but also because it invites us to reflect on a series of other important questions, namely: what did “polyscreen” epitomise as a “transitional” cultural form (having appeared at the moment when digital culture has not yet been born, while “old media' seemed to have exhausted their potential)? What role did polyscreen play in the history of 'fractal vision', if to trace it from Renaissance painting to the experimental cinema and TV aesthetics of the 20th century? Can we consider the polyscreen shows not only as a form of commercial attraction and/or ideological 'statements' of the superpowers, as they stand in the history of world fairs, but also as an educational tool and as a mode of exploration of cognitive experience of the human subject at the threshold of digital age? And eventually, what did this particular polyscreen project mean in relation to the specific techno-scientific aspirations and aesthetic codes of Soviet culture of the 1960-1970s

2. Postcolonial Art: A Living Archive of Migrant Matters. Celeste Ianniciello (University of Naples “L'Orientale”)
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Often, Western art has got lost in the sterile and abstract, yet provincial, mirror of self- reference masked as universalism, claiming its autonomy and independence from other cultural forms and activities. Instead, postcolonial art is deeply and consciously embedded in historicity, globalization and the social discourse. It reminds us, on the one hand, of how power is organic to the constitution of the diverse relations and asymmetries that shape our postcolonial world. On the other hand, and most significantly, postcolonial art shows how aesthetics today presents itself as an incisive critical instance to the colonial politics of appropriation and the epistemology of closure. Postcolonial art proposes new paradigms of both signification and subjectivation, offering alternative interpretative tools that promote a reconfiguration of the global reality itself. Postcolonial art emerges from experiences of migration and hybridization and opens up the unexpected possibility for a different encounter with the world and a different thinking of and in the world, indicating a passage from an anthropocentric to a post-humanist perspective. Significantly, postcolonial art often manifests itself in the forms of desiring and untamable forces, in expressions of interconnections, border ?-crossing, becoming, involving both the human and non-human, the organic and inorganic. Art irrupts into history and interrupts the totalizing and exclusionary maps of the world, transposing us into a living archive of migrant 'matters', both tangible and intangible. Thus, I shall analyze three different artworks: the public installation The Tomb of Qara Koz (2011) by the Bangladeshi artist Ebadur Rahman, the artistic experience of the Museum of Migrations in Lampedusa, and Egyptian Chemistry (2012), a video-essay by Ursula Bienamm. They are three examples of a living archive that reconnects to a mobile cartography of memories, bodies, languages, spaces, belongings and ecologies.

3. Re-Performing the Archive. A Feminist Act. El Colectivo (Programa de Estudios Independientes del Museu D'Art Contemporani de Barcelona, PEI-MACBA)
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Tomando como pretexto la exposición-archivo "Re Act Feminism a Performing Archive", que estuvo expuesta en la Fundación Antoni Tapies entre el 15 de noviembre de 2012 y el 17 de febrero de 2013, nuestro colectivo analiza los límites de la actividad archivística del arte, su posibilidad de detonar o encerrar las posibilidades del espectador-investigador. El presente texto es un debate inacabado y en crecimiento de las propuestas metodológicas para abordar un archivo de este tipo ¿dónde empieza y acaba el feminismo? ¿quién es el sujeto del feminismo? ¿dónde empieza y acaba la performa? Nuestro ejercicio de exploración de un archivo convencional nos lleva a enarbolar (o enrredaderar, más bien) cuál es la caja de herramientas que podemos usar para despedazar y rearmar una serie de registros que se nos presentan como homologados, catalogados. Desde una mirada postfeminista nos situamos como afectados por el archivo y trabajamos con esa afectación para redefinirnos como navegantes entre el método y el deseo.Este enfoque busca hacer estallar el dispositivo de archivo, o en su defecto, leerlo como un dispositivo permeable, frágil, de sugerencias endebles, que exige, por tanto, la construcción de una hoja de ruta que brindará algunos elementos para dejar hablar las obras y leer el conjunto de archivo a partir de los sentidos propuestos por las piezas, prescindiendo de los datos de control, registro y conservación. Nuestra disección a este conjunto de performa feminista es una apuesta por el archivo que se congrega por sí mismo, donde una obra llama a otras y el diálogo entre estas y el espectador-investigador se constituye en nuevas potencialidades de lecturas.

4. Art of Resistence: Archiving the Crisis, Claiming the Future. Elpida Karaba (Freelance Curator, Greece)
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In different contexts of 'crisis', there has always been a discussion on which mode of resistance to develop: legal, illegal or extra-legal. Within the spectrum of an increasing economic crisis, bringing to light the impasses of European Union's capitalism, and EU-ropean identity in particular, tactics of resistance are discussed all the more. The “artivisation” of these modes of resistance, although it has received severe criticism, in this particular political moment has proven to be particularly relevant and persistent. The proposed paper considers archive art as an alternative mode of researching, artistic and curatorial “resistance” to the aporias of today's crises that lead many people to utopian and worst-case-scenario 'out of law' withdrawals. It studies the particular paradigm of the work of the Greek artists and projects, for example Yota Ioannidou, Mary Zygouri, the project ArchivePublic etc. These works raise perspectives beyond the old dichotomy “centre vs periphery” within a transtopical context. For example Yota Ioannidou organizes different research and archival based projects, connected in a wider sense to the recent history of social struggles in Greece. Archive works are examined within a wider scope as practices which aim to construct and articulate dispersed discourses, individuals and histories to dynamic structures of resistance. These archives claim, in an “immodest” way, as Hannah Arendt would say, the right of neglected histories, social groups and their needs to be heard, to be included in the same act of govermentality. Within this context archival art is presented as a particular 'lawfull (en loi) tactic of resistance that insists on the privilege of art methods. These works don't aim to “overidentify” with the other social fields but to utilize the subversiveness of parody, the avail of scandalous affinities, the significance of impropriety, the power of “reversibility”. Therefore notions of reenactment, vicissitude, interpretation of law, performativity are discussed as expanded artistic and resistance modes. In that sense archival art is presented as an interesting paradigm of art's autonomy, a radical form of conjugation of theory and praxis. The particular (Greek) paradigm of works suggests that one should consider the dynamic of aesthetic resistance within a trans- and intra- local mode, investing in the potentia of global democratic ideals.

5. Agencia, materialidad y documentación del arte de los medios. Pau Alsina (Universitat Oberta de Catalunya)
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Más allá de tecno-determismos al uso, para los estudios sociales de la tecnología el usuario configura la herramienta tanto como la herramienta al usuario. Frente a la supuesta neutralidad de la tecnología debemos preguntarnos por la imagen del conocimiento que nos devuelven las nuevas herramientas de las humanidades. Tanto la historia digital del arte como la historia del arte digital, o tanto la digitalización de las humanidades como las humanidades digitales, introducen cambios no sólo en las herramientas empleadas sinó en las metodologías y epistemologías desde donde se articulan. La transformación en curso de tecnologías, métodos y epistemologías de la historia del arte es multidireccional y afecta no sólo al arte de los nuevos medios sinó a todo el arte en general. De igual manera podríamos afirmar que la agencialidad del substrato material y tecnológico de la práctica artística está indisolublemente unida a su discurso simbólico, y al revés en mútua reciprocidad. Y por ello los métodos de documentación, archivo y conservación se ven afectados por esta materialidad presente incluso en algo tan aparentemente immaterial como el código informático inscrito en el arte de los nuevos medios. En términos del Arqueólogo de los Medios Wolfgang Ernst, diríamos que en plena era de la obsolescencia tecnologica programada la agencia maquínica se hace presente de forma ineludible en el proceso de documentación de la memoria del arte de los medios, tema central de esta presentación.

Panel 2. THE UTOPIAN GLOBALISTS / Mesa 2. LOS GLOBALISTAS UTÓPICOS

Convenor / Moderadora: Anna Maria Guasch (Universitat de Barcelona)

Keynote/Conferencia Magistral: Jonathan Harris (University of Southampton)

Bibliography:

Utopian Globalists: Artists of Worldwide Revolution, 1919-2009

The New Art History: A Critical Introduction

Referencias:

Alexander Alberro (Editor), Patricia Norvell (Editor): Recording Conceptual Art

Ecoartistas: Agnes Denes: Tree mountain

Joseph Bayus: I like América and America

Robert Smithson: The collected Writings (68-64)A tour of monuments of Passaic

Globalistas de la austeridad

Christo and Jeanne -Claude: Wrapped Reichstag

Duration Piece NO 13 North America Western Europe

Huebler "Variable piece NO. 70"

Isaku Novucci

Michael Heizer "Complexy Nevada"

Robert Smithson : "Gravel Piece Corner 1968"

Michael Heizer Double negative Nevada

Robert Smithson "Spiral Jetty"

Robert Smithson "Partially Buried Woodshed"

Vladimir Tatlin: "Model for a Monument to the Third International"

Denis Oppenheimer

Nancy Holt: "Sun Tunnels"

Hans Haacke Rheinland Purification Plant"

Helen Meter Harrison, Newton Harrison. "The Lagoon Cyrcle"

Ant Farm Collective "Cadillac Ranch"

Smithson "Split Hill"

7. LOCALIZE. Art and Culture of the Commons. [bureaudetudes.org Bureau d’études] (France)
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Il existe d'autres pratiques artistiques que celles qui s'inscrivent dans le triangle musée- hypermarché-laboratoire. Ces pratiques contribuent à la formation d'une autre spatialité que celle, abstraite, du capitalisme tardif. Elles sculptent des localités en partant des relations de réciprocité qui lient les uns aux autres les lieux et les êtres qui s'y trouvent en sélectionnant les relations qu'ils veulent cultiver avec d'autres localités autour du globe. Et ce faisant, contribuent à définir ce que pourrait être une résilience culturelle. Le cartographie du système montre des entités abstraites – groupes financiers, organisations et firmes internationales - qui semblent exister pour elles-mêmes indépendamment des opérateurs physiques qui les constituent. À l'inverse, une cartographie locale situe ces entités abstraites depuis un point existentiel où elles agissent sur nos vies. Ainsi l'objet peut devenir camarade parce qu'il suppose, par les rapports inter-locaux, la communauté des êtres et des choses, la conscience des violences et des rapports d'exploitation qui en oriente le devenir, et la volonté d'en transformer le cours dans un sens qui contribue à accroître la qualité des liens qui attachent les uns aux autres, humains et non humains, objets et sujets. L'art résilient consiste à réintégrer les objets comme sujets à part entière dans les dynamiques sociales, culturelles et économiques. La localité est le concept de cette non séparation. Ce concept avec sa sociologie élargie d'êtres humains et non humains, pose les dispositifs de production agricoles, pédagogiques, architecturaux, culturels,... comme autant de creusets où se dessinent les formes possibles d'une société post-capitaliste dont quelques éléments structuraux peuvent être esquissés au travers de la cartographie en acte que nous poursuivons en Allier (France) depuis 5 ans. L'expérimentation locale permet ici l'articulation des expériences fondamentales de l'existence humaine (vie, mort, rève, sommeil,...) aux structures sociales fondamentales (propriété, monnaie, communs,...) qui en sont l'expression.

8. Más allá de la Ciudad Global y Postmetrópolis: El sueño de la Ciudad Mundo. José Miguel García Cortés (Universitat Politècnica de València)
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Tanto la idea de Ciudad global defendida por Saskia Sassen, como los planteamientos dibujados por Edward W. Soja en Postmetrópolis, plantean un nuevo tipo de metrópolis convertida en el centro de las decisiones del capitalismo planetario siendo la abanderada de los procesos mundiales de globalización. Ambos defienden que la combinación de dispersión espacial e integración global ha creado un nuevo rol estratégico para las grandes ciudades consiguiendo que vivamos en espacios urbanos globales. Estamos asistiendo a una vertiginosa mutación informática en el dominio de la arquitectura que ya no se refiere a un cambio de paradigma más o menos importante, sino que afecta a los fundamentos mismos sobre los que se asienta nuestro concepto de ciudad. De este modo, la mutación, la simultaneidad y la pluridimensionalidad de series interconectadas e imbricadas van a ampliar hasta límites inconcebibles la extensión de lo que se entiende es el fenómeno urbano. Es decir, una nueva ciudad virtual, basada en una arquitectura de la moción, se empieza a vislumbrar en un horizonte ciertamente enmarañado de redes. Una ciudad sin espacio ni lugar fijo y reflejada en un ciberespacio indefinidamente expansible. Partiendo de estas ideas, mi propuesta versaría sobre el análisis de diversas obras que artistas, cineastas y arquitectos han hecho sobre la creación de visiones imaginarias donde la exploración del futuro de las enormes ciudades mundo es uno de los elementos centrales (desde la ciudad planeta Coruscant en Star Wars, al proyecto Ecstacity del arquitecto Nigel Coates pasando por el laberinto de sistemas generativos e interactivos que supone la propuesta The Central City de Stanza). Creadores que han ideado una arquitectura fantástica mutante que inunda el planeta hasta convertirlo en una ciudad sin fin.

RMB en Secondlife

Stanza

Marina shernokova: "Urban Surfing"

9. DiY Utopias: The Rebel Urbanism of the Madrid’s “Acampadasol”. Julia Ramírez Blanco (Universidad Complutense de Madrid, UCM)

After a demonstration, on May 15 2011, around 40 people decided to sleep in the Puerta del Sol, one of Madrid ́s main squares. Within days a complex camp had been formed. This was the first Western example of the kind of protest camps that, following the Arab Spring, would sprout all over the world. These settlements constitute forms of utopian practice, as the protest creates spaces that are proposals for a totally different system. All utopian communities express themselves through artistic creativity, but, in this case, visual aspects have not been yet analysed. My paper precisely aims to fill in this gap through a study of the aesthetics and the politics of the Madrid camp, whose model has been partly reproduced in the subsequent “Occupy” movements.

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10. WeltKarten. Panorama. Laura F. Gibellini (School of Visual Arts, SVA-New York City)

Hace tiempo que vengo reflexionando sobre el modo en que ciertos 'lugares' aparecen en el intersticio entre los gestos ideales y los fácticos, como una suerte de pensamiento arrojado en el territorio. Esta reflexión parte de concebir los lugares como espacios que emergen en la práctica, en el estar ahí desarrollando un gesto que no acaba de coincidir con el concepto que lo desencadenó. A su vez el aspecto performativo del gesto conlleva un proceso que hace del lugar 'verdadero' algo fundamentalmente inalcanzable. En este sentido parece fundamental prestar atención a las condiciones en las que particulares obras artísticas aparecen y se manifiestan. Ello enfatiza un proceso de pensamiento que va más allá de la obra plástica, la cual aparece como residuo de dicho desarrollo –y gana sentido en relación al contexto del que emerge. Todas estas consideraciones tienen que ver con la relación entre la teoría y la práctica artística, entre la idea y el gesto que da al concepto una determinada forma. WeltKarten. Panorama se centra la visualización de dicha relación y supone un recorrido por ciertas obras plásticas propias que exploran el modo en que los mapas cartográficos representan (y configuran) lugares concretos. Partiendo del video Study for (a) Landscape, 2011, en el que se produce un viaje al interior de un mapa, la investigación recorre diversas obras en las que se reflexionan sobre los elementos mínimos para generar y representar el espacio (la línea, el punto y el pantone de color), y finaliza con el proyecto The Extended Contours of the Horizon, 2013, que supone la extensión de los contornos de los principales territorios del planeta en líneas horizontales continuas. WeltKarten. Panorama pretende ser un paso más en la búsqueda de la conciliación entre la investigación y la práctica artística. Para imágenes de los proyectos ver www.laurafgibellini.com

11. La globalización ut(r)ópica del arte centroamericano: ¿remontando el linde de la historia o robando (furtivamente) del pastel global? Sergio Villena Fiengo (Universidad de Costa Rica)

Las transformaciones experimentadas en las últimas décadas por el mundo del arte internacional, marcada por los cambios de paradigmas artísticos (la irrupción de la posmodernidad y el advenimiento de la contemporaneidad), ha producido una reconfiguración de la geopolítica de los circuitos artísticos a nivel mundial, transformando sustantivamente las relaciones entre el mainstream y las periferias. Por un lado, la erosión de los criterios de valor estético vigentes en la modernidad y la apertura del mainstream a la multiculturalidad y los lenguajes visuales otros han despertado un inédito interés por la producción artística hasta ahora considerada externa al “linde de la historia”. Por otro lado, desde la periferia se busca apropiar tácticamente, antropofágicamente, esos espacios para, como lo señalara en su momento Gerardo Mosquera, “robar [ojalá una buena tajada] del pastel global”, buscando posicionarse como interlocutores válidos en un diálogo multicultural, como sujetos en el campo artístico global contemporáneo. Esta ponencia se propone indagar exploratoriamente los procesos de reconfiguración que se han producido en las últimas dos décadas dentro del campo artístico centroamericano en su institucionalidad, en sus lenguajes artísticos y en su discursividad curatorial, con el fin de insertarse en los escenarios internacionales con el propósito de ser reconocido como participantes en un diálogo multicultural de alcance global desde Centroamérica, región periférica entre las periféricas. Se propone, pues, reflexionar sobre las características y posibilidades decoloniales del proyecto que, tomando prestado el título de una exposición realizada en el marco de la XXXI Bienal de Pontevedra (2010) dedicada a la región de Centroamérica y Caribe, podríamos denominar “la globalización ut(r)ópica del arte centroamericano”.


Panel 3. LABOR, WOMAN AND POLITICS / Mesa 3. TRABAJO, MUJER Y POLÍTICA

Convenor / Moderador: Juan Vicente Aliaga (Universitat Politècnica de València)

Keynote / Conferencia Magistral: Angela Dimitrakaki (University of Edinburgh)

12. “Deteriorate in your own time”: Martha Rosler Reads Vogue, Women, Labour and Performing Critique. August Davis (Winchester School of Art, University of Southampton)
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Artist Martha Rosler produced a live televised performance for Paper Tiger Television in December 1982. She subsequently distributed its video as a performance work: Martha Rosler Reads Vogue. The work deconstructs the aspirational identifications and false class- consciousness engendered by Vogue magazine, dissecting it as an ideological vehicle tied to particular histories, producers, consumers and industries. Utilising a number of poetical /incantatory tropes, along with her usual deadpan delivery, Rosler misappropriates images from the current and back issues of Vogue. However, the real critical jolt is delivered when the performance moves out of the studio and, via videotape, into a Manhattan sweatshop where clothing destined for Bloomingdales was produced by Chinese female seamstresses. Rosler converts her documentary footage into a deglamourised music video for Blondie's “Die Young Stay Pretty”. This paper offers a close reading of Rosler's video, examining how its construction instantiates a unique feminist Marxist performative critique of the exploitation of gendered and immigrant labour; of women as both certain kinds of producers and consumers. It is an exploration of how both these positions are positions of labour, allied to notions of maintenance labour and the marginalisation of women's agency. It proposes Rosler's work as a critical map of an especially female reification constellated within the nexus of Vogue seen in its broadest sense.

13. The Feminisation of Domestic Labour and Its Critique in Feminist Art Practice. Elke Grasny (Academy of Fine Arts, Vienna)
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In this paper I will examine feminist art practices, past and current, that critically perform, demonstrate or research domestic labour as a feminised form of labour. I will foreground how the complex entanglement of power dynamics, feminised labour, immigration, spatialisation and the politics of visibility and recognition are worked on through artistic practice. My four cases include works by Laederman Ukeles, Rosler, Zoitl and a project I am currently collaborating on with A. Ortiz Struck. Theoretically I will draw Nancy Fraser's work on recognition, on Johanna Schaffer's work on visibility and on Rosi Braidotti's work on ethics. In 1969 Mierle Laederman Ukeles asked in her Maintenance Manifesto “after the revolution: who's going to pick up the garbage on Monday morning?”. In 1973 she performed washing the floors of a museum in Hartford Connecticut. Class, race, cultural imperialism, labor, power and gender are addressed in Martha Rosler's 1973- 1974 mail art project Service: A Trilogy on Colonization. Moira Zoitl's newsletter and exhibition Exchange Square Chat(t)er Gardens Stories by and about Filipina Workers, 2000 ff, deals with the political implications of the Filipina worker's spaces in Hongkong and activist migrant empowerment. They work hidden in private homes, on Sundays they go public in their assemblies in front of the Hongkong and Shanghai Bank. The connections between remittance of money, export labour, power and gender become spatialised. Together with the architect Arturo Ortiz Struck I am currently working on Domestic Workers' Rooms. Mexico City. The project deals with the hidden maids' rooms in contemporary homes and their struggle with regard to women's, indigenous, and labor rights. My goals are twofold: addressing epistemological issues inherent in a historiographic approach to a cartography of domestic labour within feminist art practices and addressing challenges to these critical practices regarding the enmeshment of aesthetics, ethics and activism.

14. From Pseudo-Emancipation to Outright Subjugation. Representation of “Women’s” Work in Contemporary Hungarian Art. Erzsébet Tatai (Institute for Art History of Research Centre for the Humanities of the Hungarian Academy of Sciences)
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In Hungary, only 8.8% of the Members of Parliament are women. According to 2012 statistics, this places Hungary 117th (of 137) in the world and last but one in Europe. This clearly shows the position of women in Hungarian public life. While the number of woman artists has grown significantly in the past two decades, as has the ratio of female to male graduates over the last 60 years, and today there are more women than men in higher art education, all of this is indicative of the devaluation of the artistic career, rather than the true emancipation of women. Very few woman artists reflect on gender roles or the subjection of women, and even the best of them claim that they are not feminists, as they realise that such a statement would put them at a disadvantage in a male chauvinistic field. So it is “shy”, “latent” or “subtle” feminism that prevails in Hungarian contemporary art. Nevertheless, works of art have begun to appear that question traditional gender roles through thematizing the division of labour between the sexes. The following works, for example, focus on work traditionally assigned to women (household work): Ágnes Eperjesi's Weekly Menu (2000) and Colour fade-out washing machine (2009), Luca Gõbölyös' I Want to Get Married! (2010), Anna Fabricius' Tigress of housekeeping (2006), Erika Baglyas' 100 sheets (2004) and Kriszta Nagy's exhibition titled I am a Contemporary Housewife (1998). These artworks – from paintings and photographs to videos and installations – apply advanced imaging technology and the repertoire of the dramaturgy of professional cooking shows and modern visual culture to erode the borders between labour done privately and publicly, for free and for money, as well as creative and reproductive labour. Using a feminist point of view, the paper seeks to find a context in which the “shy” feminism of Hungarian artists is explicable.

Erica Baglyas "100 sheets"

15. Descolonización. Mujeres y políticas de la autenticidad. Lynda E. Avendaño Santana (Universitat de Barcelona)
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Como sabemos el cuerpo es el hiato donde se expresan los diversos mecanismos civilizatorios, al tiempo que puede ser la cifra que desborda desde la subjetividad, el humor, la sinceridad, y la afectividad, al poder en todas sus dimensiones. Históricamente los cuerpos de las mujeres de color –afro descendientes y de origen latino- han sido en USA y latinoamericana colonizados, siendo explotados y segregados como parte de la lógica del comercio y del mercado del deseo en el contexto del capitalismo, ello desde la llegada de los europeos a América. Sin embargo, y en consonancia con la aspiración contemporánea de construir ciudadanías globales desde particularismo culturales, se ha dado desde los años 80` con obras como la de Ana Mendieta, diversas expresiones que interrogan y dan cabida a otros alcances de lo femenino en los contextos socioculturales actuales. Entendimientos que rompen con los tópicos que se tienen respecto a lo que significa ser mujer latina, o mujer afro descendiente. En este contexto nos encontramos con obras de performistas como Sharon Bridgforth o Marga Gómez que se alejan, a partir de conceptos como el de sinceridad, del discurso colonialista blanco. Ello se ha producido sobre la base de procesos de introspección que han ido en paralelo a la indagación e inmersión en las tramas culturales segregadas de donde proceden las artistas. Así, desde políticas de la autenticidad, desde la idea de resistencia y desalojo de las lógicas consabidas, las artistas nos han abierto a preguntas sobre los tipos de mujeres que son necesarios de construir, para lo cual han generado nuevos ordenamientos alternos e imaginarios otros de articulación social, ofreciendo en ello una oportunidad para repensar diversas estructuraciones sociales, esto desde las performance y acciones, como instrumento capaces de dar cuenta de la experiencia contemporánea del cuerpo femenino descolonizado y sus posibles.

16. Habitando en la lucha contra la violencia de género en el estado español. Hacia una ética crítica del arte y las tecnologías en la era de la globalización. Mau Monleón Pradas (Universitat Politècnica de València, UPV Grupo de Investigación Laboratorio de Creaciones Intermedia-LCI)
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Es urgente construir un modelo educativo para la igualdad de derechos entre mujeres y hombres que proponga y aplique paradigmas que nos ayuden a superar las discriminaciones que actualmente sufrimos las mujeres. Un modelo de estas características pasa por el empoderamiento de las mujeres y por la responsabilidad de hombres y mujeres en la creación de identidades de género igualitarias. El propósito de este texto es doble, por una parte demostrar y proponer que el arte puede adquirir una orientación pedagógica y activista frente a la violencia de género en la era de lo global; por otra parte, analizar metodologías activas que nos ayuden a construir esos imaginarios desde la deconstrucción y reasignación de significados y a través de redes entre mujeres y hombres. A este respecto, nuestra disertación se centra en aspectos generales de las relaciones entre el arte y la violencia de género, así como en ejemplos concretos tomados de la Plataforma de lucha contra la violencia de género ACVG,[1] creada recientemente por un grupo interdisciplinar de artistas e investigadores/as de distintas universidades del territorio español. Analizaremos esta herramienta tecnológica, introduciendo algunos de sus aspectos fundamentales, objetivos y funciones. Partiendo del fenómeno de la violencia de género en el territorio español, se hace necesaria una introducción que nos permita situar “las violencias” contra las que luchamos desde el arte y la tecnología. Así mismo, observamos cómo esta lucha es un tema prioritario en la agenda política feminista desde fines de los años sesenta en EEUU, Europa y Latinoamérica (con manifestaciones artísticas a través de la performance, el video e Internet, fundamentalmente). Finalmente mostraremos proyectos artísticos paradigmáticos que nos ayuden a reflexionar y centrar nuestra problemática como uno de los objetivos fundamentales de la Plataforma ACVG, que es el de visibilizar respuestas críticas y activas frente al victimismo. [1]Ver http://www.artecontraviolenciadegenero.org, proyecto de I+D+I patrocinado por el antiguo MICIN dentro de las “Acciones especiales de carácter feminista urgentes”


Panel 4. ART AND THE POST-NATURAL CONDITION /Mesa 4. ARTE Y LA CONDICIÓN POS-NATURAL

Convenor / Moderador: Joaquín Barriendos (Columbia University, New York)

Keynote / Conferencia Magistral: T.J. Demos (University College London)

Kristina Buch

Christian Phillipp Muller

Das Buch der Bucher

Dona Haraway: "SF Speculative..."

And, And, And "Vegetable kiosk" "The monsanto hearings"

Vandana Shiva "The corporate control of life"

Moon kyungwon , Jeon Joonho: "news from nowhere"

The Otokith Group "The radiant"

Frederich James Anti-utopism.

Vandana Shiva

Bibliografía

In and Out of Brussels: Figuring Postcolonial Africa and Europe in the Films of Herman Asselberghs, Sven Augustijnen, Renzo Martens, and Els Opsomer, ed. T.J. Demos and Hilde Van Gelder (Leuven: Leuven University Press, 2012). [link]

"Gardens Beyond Eden: Bio-aesthetics, Eco-Futurism, and Dystopia at dOCUMENTA (13)," The Brooklyn Rail (October 2012). [link] "Art After Nature: The Post-Natural Condition," Artforum (April 2012), 191-97. [pdf]

“Toward a New Institutional Critique: A Conversation with Renzo Martens,” Atlántica 52 (2012), 90-103. [pdf]

“The Institute for Human Activities: A Conversation with Renzo Martens,” Camera Austria International, no. 120 (December 2012), 45-52. [pdf]

“‘A Form of Total Disobedience’: The Art of Rossella Biscotti,” in Rossella Biscotti (Rome: MAXXI – Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 2012), 11-15. [pdf]

“Sven Augustijnen’s Spectropoetics,” in Sven Augustijnen: Spectres (Brussels: Wiels, 2011). [pdf]

“The Politics of Sustainability: Contemporary Art and Ecology,” Radical Nature: Art and Architecture for a Changing Planet 1969–2009, Barbican Art Gallery, London, 2009. [pdf]


17. Arte latinoamericano global: un ojo en la tierra. Andrea Díaz Mattei (Universitat de Barcelona)
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Si pensamos en una cartografía de lo global, no podemos sustraernos a las imágenes que nos ofrece ese OJO sobre la tierra (Eye on Earth, Google Earth, etc.), omnipresente y que lo observa todo, y que combina de forma peculiar informaciones tanto científicas como ciudadanas en continua interacción. En este escrito nos preguntamos si esta representación actual del mundo, inmediata y espacial, nos informa de la realidad contextual e identitaria de los diferentes territorios en él representados. En efecto, este orden abstracto de ilustración del mundo parece despojarnos de la humanidad y de los sentidos ampliados a que nos habían acostumbrado las últimas manifestaciones del arte contemporáneo. Sin embargo, pareciera ser que las fuerzas estéticas pujan por hacerse sitio más allá de los estereotipos inevitables de una visión global e impersonal. De hecho, la Tierra –que dicha cartografía global simplifica- es mucho más rica y compleja: conecta territorios con desplazamientos, así como el tiempo y el espacio o la memoria y la historia, dibujando un proceso de construcción simbólica plural donde no faltan rasgos identitarios. Por lo tanto, alejándonos de oposiciones binarias simplistas (centro/periferia, norte/sur) y de la tendencia postmoderna a descuidar diferencias y desigualdades, reflexionaremos –a través de la geopoética de artistas latinoamericanos- sobre la actual reconfiguración de los imaginarios de identidades territoriales y las experiencias actuales de nación, política y arte. En América Latina, estas fuerzas estéticas y la pluralidad de sus formas de representación están presentes casi desde sus mismos orígenes. Tierra de relaciones sociales y culturales híbridas por definición, que parece no renunciar a su carácter diferencial y a su posicionamiento político. Desde esta perspectiva, analizaremos exposiciones colectivas de artistas visuales latinoamericanos para intentar resolver los interrogantes antedichos. Entre ellas, “No es neutral” realizada en San Sebastián (2008); “Sinergias (arte latinoamericano actual)” en Badajoz (2010) y transformada en “Sinergias (Artistas latinoamericanos en una cartografía global)” para el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana (2012); y la última Bienal del Mercosur (finales 2011), entre otras.

18. Los monstruos mecánicos del imaginario cibertecnológico. Disfuncionalidades tecnológicas en el arte contemporáneo. Juliana Coelho Gontijo (Universidad de Buenos Aires - Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas-CONICET)
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A partir del vínculo entre máquina y naturaleza humana, y la condición post-humana que tal encuentro genera, en este trabajo me interesa analizar la producción de ciertosartistas contemporáneos que transfieren al arte el imaginario monstruoso y tecnológico de la cibercultura actual. Mariana Manhães (http://www.marianamanhaes.com) y el colectivo Oligatea (http://boladenieve.org.ar/artista/166/oligatega-numeric), desde Brasil y Argentina, respectivamente, son casos representativos de artistas que reelaboran una cibertecnologia tercermundista al utilizar elementos recuperados de desechos industriales u objetos de baja tecnología. Este ensamblaje técnico-fantástico de difícil categorización introduce, con la pérdida de la funcionalidad de la máquina, una anomalía tecnológica, transfiriendo a la máquina ciertos atributos humanos. La disfunción accidental y orgánica en Manhães y el imaginario cibernético en Oligatega evidencian la irracionalidad de las máquinas y cuestionan el supuesto valor orgánico y estable del ser humano. De esa forma, se torna necesario reflexionar sobre la condición de artificialidad construida de la naturaleza, a fin de poder repensar las nociones binarias que dividen lo natural y lo artificial, lo orgánico y lo inorgánico. Se trata, por tanto, de identificar parte del bestiario mecánico-tecnológico del arte actual, cuya aparición viene a evidenciar las anomalías intrínsecas de la sociedad y se erige como foco de resistencia al tecnicismo racional.

19. Bioarte. Habilitar nuevos discursos sobre la naturaleza humana desde el uso de la biotecnología como medio artístico. Laura Benítez Valero (Universitat Autònoma de Barcelona)
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Los proyectos artísticos que trabajan con biotecnologìa englobados bajo el término bioarte plantean preguntas sin precedentes sobre la vida , sobre la relación entre arte, ciencia y sociedad desde una praxis distinta a la que se habìa dado hasta el momento. Dentro de las multiples prácticas que podemos encontrar en el bioarte, respecto al arte y la condición post-natural, son especialmente relevantes aquellas practicas que se dedican a la investigación a partir de organismos semi-vivos u organismos semi-artificiales, asì como las que trabajan con nociones como la de “cuerpo-extendido” desarrollada por Tissue Culture & Art, es decir, un “cuerpo” conformado a partir de fragmentos vivos desmembrados, fragmentos que forman parte de un meta-cuerpo tencocientífico. Estos proyectos trabajan sobre la “evolución” de la noción de cuerpo y la alteración de la percepción del mismo. El uso de la biotecnología y la creación de entidades semi-vivas como parte fundamental de la investigación artist tica abre un espacio de reflexión desde donde plantearnos cual ha sido la evolucioìn del concepto de vida desde una perspectiva filosófica. Estos proyectos nos sitúan ante la necesidad de una re-evaluación de las taxonomìas habituales así como tambié pueden habilitar nuevos discursos sobre las diferentes relaciones que podemos establecer con estas “nuevas entidades”. Dichos trabajos pueden convertirse en un conjunto de puntos centrales desde los que analizar las posibles cuestiones eìticas sobre la utilizacionì del material bioloìgico con fines artísticos, o el rol de la filosofiaì en la investigación artiìstica, asiì como ofrecernos una intersección desde la cual re-pensar la cuestión ontológica de la naturaleza humana en un contexto hipersofisticado tecnológicamente en el que parece necesaria la ruptura con antiguas cosmologías en la concepción del ser humano.

20. Ecology as Hermeneutics in the Exhibition Space of the 60’s and 70’s. The Alberto Carneiro’s Environments and His Ecological Art as a Sample of a New Paradigm of Knowledge. Mariella Franzoni (Universitat Pompeu i Fabra)
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In the 60's and 70's, European and American art reemployed the scientific term "ecology” to express a conception of nature as a process or an interactive system. On the one hand, many pioneers of Eco-Art reified nature by positioning it as a “separate realm of purity needing protection from industrial degradation [...]”, as D.J. Demos points out.[1] On the other hand, other artists employed it as a conceptual medium, questioning artworks as objects with intrinsic value, and criticizing the common way of interpreting art in the gallery space. I'm interested in the cases in which nature manifests itself in artworks not only in formal or thematic matters, but also in a specific exhibition rhetoric [2] by establishing a special relationship of significance with the space and the audience, and bringing to the surface hermeneutical and epistemological questions. The case I analyze as a sample is the Ecological Art [3] of the Portuguese sculptor Alberto Carneiro (1937, Coronado, Porto), that corresponds to his conceptual phase. Carried out between 1968 and 1976, it is characterized by a symbolic relationship between body and nature. His environments (Envolvimentos, as designated by said sculptor) involve the viewer in the creation of the meaning, by adopting the medium of the total-installation artworks: he creates a conceptual indoor landscape with natural and raw materials as well as photographs and documents of performances previously set up outdoors. By offering both a phenomenological and conceptual experience of nature in the “artificial” space of the gallery - such as it was seen in 70's-, Carneiro's Ecological Art contemplates a new relation of meaning (hermeneutics) between the viewer and artworks - and metaphorically between humans and the world, or between culture and nature. Therefore, from my point of view, this sculptor anticipates the ecological turn of social and cognitive sciences - such as Gregory Bateson's ecology of mind [4] or Tim Inglod's ecological anthropology [5], which are the main references in my analysis - and may help us to examine the new concepts of an ecology without nature [6] by Timothy Morton or of a post-natural condition by D.J. Demos [7].

[1] D.J. Demos, "Art After Nature: The Post-Natural Condition," Artforum, April 2012, p. 194. [2] Bruce W. Fergusons, “Exhibition Rethorics: Material Speech and Utter Sense", in Thinking About Exhibition, Reesa Greenberg, Bruce W. Ferguson, Sandy Nairne (eds.), New York, Routledge, 1996, p. 177. [3] A. Carneiro wrote about his Ecological Art in “Um manifiesto da Arte Ecologica” (1971), published in almost all of his catalogues. For an approach to the subject, see: Javier Maderuelo, “Alberto Carneiro. Naturaleza, árboles y agua”, en Caminos de la escultura contemporánea, Salamanca, Universidad de Salamanca, 2012; C. Rosendo (ed.) Alberto Carneiro: Das notas para um diário e outro textos. Antologia, Porto, Assiro i Alvim, 2007 and Os primeiros anos 1968-1975, Lisboa, Colibri, Universidade Nova de Lisboa, 2007; Bernardo Pinto de Almeida, Alberto Carneiro: lição de coisas, Porto, Campo das Letras, 2007; Santiago B. Olmo, João Fernandes, Raquel Henrique de Silva, Alberto Carneiro, Alberto Carneiro, catalogue of exhibition in CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporaneo), Santiago de Compostela, 2001; Ernesto de Sousa, “A arte ecológica e a reserva lirica de Alberto Carneiro”, in Coloquio/Arte, February, 1976, pp. 26-34. [4] Gregory Bateson, Steps to an ecology of mind (1972), Chicago, University of Chicago Press, 2000; and Mind and Nature: a necessary unity (1979), New York, Hampton Press, 2002. [5] Tim Ingold, Ecologia della cultura, (ed. italiana C. Grasseni, F. Ronzon), Milano, Maltemi, 2004; and The Perception of the Environment. Essays on Livelihood, Dwelling and Skill, London, Routledge, 2005. [6] Tomothy Morton, Ecology without Nature: Rethinking Environmental Aesthetics, Cambridge, MA Harvard University Press, 2007. [7] T.J. Demos,"Art After Nature: The Post-Natural Condition," Artforum, April 2012, pp. 191-197.

21. The Transformation of the Gaze through Technology and Its Application in Contemporary Art Practice. Salim Malla Gutiérrez
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The research comes from a personal interest in the concept of "aerial view" whose essence has been transformed and put in service and available to the masses through the development and advancement of technology in territoty reconnaissance. A study of symbols and practical applications that this exercise in "look down" has had throughout history, will help us better understand their meanings. After a historical revision of the concept, we will focus on the development within the context of the information society as a paradigm and defining element of what Castells defined as the space of flows, so talk with artistic proposals from the practice, trying to open thinking on these issues. Finally, after this theoretical approach, the Correspondences work will be presented as a possible conclusion, an open solution that aims to generate a critical reflection on the scope of new technologies in the daily life of individuals and their environment.


CLOSING REMARKS / REFLEXIONES FINALES: Nasheli Jiménez del Val


Credits/Créditos

Director/Dirección: Anna Maria Guasch Ferrer

Coordinator/Coordinación: Nasheli Jiménez del Val

Technical Assistance/Asistencia Técnica: Christian Madrid, Diana Padrón, Rafael Pinilla, Olga Sureda

Services/Servicios:Traducción simultánea inglés/castellano, castellano/inglés todo el evento

Collaborators / Colaboran: Departament d'Història de l'Art, Facultat de Geografia i Història,Universitat de Barcelona. Ministerio de Ciencia e Innovación, Madrid. Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

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